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Paris : « Voyage sur la route du Kisokaido »


Keisai Eisen (1790–1848) « Les Relais de la route du Kisoji »: Relais n°41. « Nojiri : vue du pont de la rivière Inagawa », 1835-1838. Xylogravure polychrome, format ōban yoko-e © Fundacja Jerzego Leskowicza

Cette voie reliait Edo (actuelle Tokyo, où le shogun avait sa résidence, à Kyoto, siège de l’empereur. Contrairement à la route du Tokaido, qui rejoignait l’ancienne capitale en cinquante-trois relais le long de la côte, le Kisokaido, jalonné de soixante-neuf étapes, traversait l’intérieur montagneux. Il suivait un itinéraire plus long et très spectaculaire, parfois plus pittoresque et ardu en raison de la présence de neuf cols escarpés.

Entre 1835 et 1838 le Kisokaido fit l’objet d’une série d’estampes réalisées par Eisen (1790-1848) et Hiroshige (1797-1858), dont le succès fut considérable. Deux autres séries virent le jour sous le pinceau de Kunisada (1786-1865) et de Kuniyoshi (1797-1861). Elles constituent les deux grandes parties du parcours de l’exposition.


Utagawa Hiroshige (1797–1858) « Les Soixante-neuf Relais de la route du Kisokaidō »: Relais n°29. Wada, 1835-1838. Xylogravure polychrome, format ōban yoko-e © Fundacja Jerzego Leskowicza

Un parcours en deux temps autour du thème du voyage
Deux séries complètes du Kisokaido seront présentées dans l’exposition. La première signée par Eisen et Hiroshige, provenant de la collection Georges Leskowicz, est considérée comme l’une des plus belles au monde pour la qualité du tirage et la fraîcheur des couleurs.

Keisai Eisen (1790-1848) et Utagawa Hiroshige (1797-1858), sont deux figures incontournables de l’art japonais, particulièrement renommés pour leurs estampes gravées sur bois de l’ukiyo-e (littéralement « images du monde flottant »). Eisen commença à réaliser la série des Soixante-neuf Relais de la route du Kisokaido, qui fut achevée par son contemporain Hiroshige.

L’exposition rassemblera un ensemble de près de cent cinquante estampes japonaises exceptionnelles, dont certaines seront dévoilées au public pour la première fois.

Du 16 octobre 2020 au 17 janvier 2021

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Padoue : Van Gogh


Vincent Van Gogh, « Automne, passage au crépuscule », 1885: huile sur toile appliquée sur planche, 53.3 x 92.6 cm. Central Museum, Utrecht

C’est la volonté du conservateur de reconstruire l’ensemble du chemin, y compris ce qui n’est généralement pas compris ou a été peu ou pas étudié du tout. Van Gogh lui-même racontera son histoire dans l’exposition, à travers ses lettres, qui sont le fil conducteur d’un volume puissant de plus de 600 pages que Marco Goldin, créateur et commissaire de l’exposition, a écrit pour Le Navire de Thésée. Livre à paraître en parallèle avec l’ouverture de l’exposition et intitulé « La vie de Van Gogh. À travers les lettres ».

L’idée est de retracer l’ensemble du chemin de l’artiste, en se concentrant sur les principaux points de ce voyage. Les lieux qui l’ont vu devenir le peintre que nous connaissons tous, grâce à ces mêmes lieux, la fascination qu’ils ont exercée sur lui, leur histoire qui a été gravée dans son histoire. Précisément, sera analysée la relation entre l’extérieur de la nature, et parfois des villes, et l’intérieur de l’homme et du peintre. Comprendre pourquoi l’évolution de l’artiste a été si rapide et pourquoi elle était nécessaire et induite par ses séjours dans certains endroits, d’abord en Belgique et en Hollande, puis en France.


Vincent Van Gogh, « Portrait d’Armand Roulin », détail, 1888: huile sur toile, 65 x 54.1 cm. Folkwang Museum, Essen, transfert du musée Folkwang Hagen, en 1922 © Jean Nober, Museum Folkwang

Les 78 peintures et dessins de Van Gogh exceptionnellement rassemblés au San Gaetano représenteront précisément ce chemin, dans une sorte d’itinéraire qui tiendra ensemble la nécessité de voir le physique et celui du naufrage intérieur.

Grâce avant tout, mais pas seulement, à la collaboration fondamentale du musée Kroller-Muller et du musée Van Gogh, l’exposition pourra proposer des chefs-d’œuvre de chacune des périodes de la vie de Van Gogh, de la Hollande à la France, entre Paris, La Provence et Auvers-sur-Oise. Des tableaux célèbres tels que l’Autoportrait au chapeau de feutre, Le Semeur, les différents champs de blé, Le Facteur Roulin, M. Ginoux, L’Arlesiana, les différents paysages autour de l’asile de Saint-Rémy et bien d’autres.

Mais la grande exposition de Padoue ne se limite pas à l’incroyable corpus de 78 œuvres de Van Gogh. Ces œuvres seront rejointes par une sélection d’une quinzaine de chefs-d’œuvre d’autres artistes, à commencer évidemment par Millet, en passant par Gauguin, Seurat, Signac, Hiroshige, spécifiquement lié à lui. Ou comme dans le cas des trois grandes et belles toiles de Francis Bacon au début du voyage, pour indiquer comment la figure de Van Gogh lui-même a également agi sur les grands du XXe siècle.

Du 10 octobre 2020 au 11 avril 2021

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Paris : L’Âge d’or de la peinture danoise


Christoffer Wilhelm Eckersberg, « Vue à travers trois arches du troisième étage du Colisée », 1815.: Huile sur toile, 32 x 49,5 cm, Copenhague, Statens Museum for Kunst © SMK Photo/Jakob Skou-Hansen

L’exposition organisée conjointement par le Nationalmuseum de Stockholm, le SMK de Copenhague et le Petit Palais inclut plus de 200 œuvres d’artistes phares de cette période comme Christoffer Eckersberg, Christen Købke, Martinus Rørbye ou encore Constantin Hansen.


Constantin Hansen, « Un Groupe d’artistes danois à Rome », 1837: Huile sur toile, 62 x 74 cm, Copenhague, Statens Museum for Kunst © SMK Photo/Jakob Skou-Hansen

Cette exposition offre l’une des analyses les plus ambitieuses de cette période artistique à la lumière des recherches effectuées depuis de nombreuses années. L’accrochage se concentre sur certains thèmes clés ayant trait aux conditions sociales, politiques, économiques et culturelles du Danemark au XIXe siècle. Il offre un panorama de sujets familiers tels que la vie à Copenhague, l’artiste au travail, le voyage, la peinture de paysages ou encore la famille. Peintures précises et délicates, ces œuvres se distinguent aussi par l’originalité de leurs cadrages. Exposition organisée avec le Statens Museum for Kunst de Copenhague et le Nationalmuseum de Stockholm.

Du 22 septembre 2020 au 17 janvier 2021

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Berne : Annemarie Schwarzenbach, photographe


Annemarie Schwarzenbach, « Traversée du Grand Zab », 1935, près de Mossoul, Irak: Schweizerisches Literaturarchiv (SLA), Bern

Quand les textes de Schwarzenbach dialoguent avec ses photographies, le regard s’ouvre sur le monde et révèle les bouleversements sociaux et politiques et les conflits des années 1930 en offrant des perspectives renouvelées.

Au cours de ses longs voyages à travers l’Europe, l’Asie, l’Afrique et l’Amérique, elle ne cherche pas seulement, dans sa rencontre avec l’étranger, à échapper au milieu conservateur et grand-bourgeois dont elle est issue. Elle espère aussi arracher un sens à cette époque si riche en conflits. Elle s’efforce de prendre sa part dans la résistance contre la catastrophe imminente de la guerre mondiale.

Du 18 septembre 2020 au 3 janvier 2021

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Genève : Jean Dubuffet


Jean Dubuffet, « Ontogénèse », 1974-1975: Peinture vinylique sur panneau stratifié. 251 x 316 cm. Don de l’artiste en 1977. Musée d’art moderne André Malraux, MuMa, Le Havre © IVAM, photo Juan García Rosell pour la Suisse © 2020, ProLitteris, Zurich

Jean Dubuffet vient au MEG en quête d’alternative aux courants d’art qui prévalaient en son temps, à l’art élitaire et au snobisme des métropoles qu’il déplore. De plus, il partage plusieurs sujets d’intérêt pour l’ethnographie de l’époque, dont il adopte, ou adapte en quelque sorte les méthodes, et accompagne la réflexion. Hostile à l’autoritarisme colonial, il rejette comme Claude Levi-Strauss toute notion d’art primitif ; il rejette également toute hiérarchie entre les arts. Il se moque des catégories, des champs disciplinaires distincts et autres spécialisations autistiques, pour adopter une approche tantôt transversale et éclectique, tantôt comparatiste, qui entremêle ou entrecoupe matériaux et œuvres qu’il devient difficile de conserver dans des catégories.

De même le MEG souhaite déconstruire son « habitus colonial », qui se révèle par exemple dans les typologies d’objets ou l’approche par continents et régions, et renforcer l’expérimentation, la transdisciplinarité, les collaborations en-dehors du champ traditionnel de « l’ethnographie » du 20e siècle.

Du 8 septembre 2020 au 28 février 2021

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Genève : “L’eau-forte est à la mode”, 1840-1910


Félix Bracquemond (1833 – 1914), « L’Inconnu. La Tortue et le canard », 1862: Imprimé par Auguste Delâtre (1822 – 1907) Edité par la Société des Aquafortistes Eau-forte, état III/III. Inv. E 2011-2137 © Musée d’art et d’histoire, Genève

« Parmi les différentes expressions de l’art plastique, l’eau-forte est celle qui se rapproche le plus de l’expression littéraire et qui est la mieux faite pour trahir l’homme spontané », écrit Charles Baudelaire dans son célèbre article « L’eau-forte est à la mode » paru en avril 1862. Le poète et critique d’art parisien est aux premières loges de ce regain d’intérêt pour une technique séculaire mais demeurée marginale. Traditionnellement réservée à la représentation de paysages par les artistes des XVIIe et XVIIIe s., l’eau-forte suscite à nouveau la curiosité de jeunes artistes désireux de développer une nouvelle pratique. Ces derniers complexifient le processus créatif, jouant avec les lignes, l’encre mais aussi avec le ton du papier pour obtenir des effets et des textures très variés. Grâce à cette maîtrise grandissante, les feuilles réalisées à l’eau-forte s’ouvrent à de nouvelles thématiques plus « modernes », et accèdent dans la foulée au statut d’œuvres à part entière.

L’exposition regroupe plus de 130 œuvres dans un parcours attestant de la variété des sujets et des possibilités esthétiques offertes par l’eau-forte. A découvrir, la Tamise et ses activités portuaires sous l’œil de James McNeill Whistler ou de Francis Seymour Haden ; les paysages poétiques d’Adolphe Appian, James Ensor et Johan Barthold Jongkind ainsi que différents portraits et autoportraits signés Manet, Degas ou Rodin.

Du 4 septembre au 13 décembre 2020

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Crans-Montana/Lens : « Résonances »


Clifford Possum Tjapaltjarri (v.1932-2002, Australie) « Territoire autour du Mont Allan », 1997: Groupe linguistique : Anmatyerre. Acrylique sur toile de lin. Crédit photo © Vincent Girier-Dufournier. Crédit artiste © 2020, ProLitteris, Zurich

Aujourd’hui, les artistes aborigènes rencontreront leurs homologues de la scène internationale contemporaine. La Fondation fait dialoguer les collections des deux sœurs Bérengère et Garance Primat avec plus de 90 œuvres du monde entier.

Soulignant les liens intrinsèques et les thèmes universels portés par les artistes des antipodes, l’exposition propose un parcours en cinq chapitres, chacun exprimant un des principes fondamentaux de l’art aborigène en abordant un aspect du Rêve (« Dreaming »). A travers un dispositif scénographique léger, l’éclectisme des œuvres en termes de matières, de couleurs, de formats impose un environnement qui s’efface à leur profit. Les murs sont noirs, ocres et rouges : les tonalités du désert australien. Les premiers pas du visiteur le plongent dans la nuit, immémoriale, le temps où l’Être primordial est enfoui dans les profondeurs de la Terre. Il découvre les “Récits de terres et de ciels“, puis le “Pouvoir de métamorphose“. Se révèlent ensuite les “Secrets de la Terre Mère“, les “Origines“ et enfin éclate la lumière du jour avec l’apparition de l’ “Être premier“.

Du 14 juin 2020 au 4 avril 2021

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Genève : « L’enfant dans l’art suisse »


Léon Gaud (1844 -1908) « La fille de l’artiste à l’âge de 8 ans », vers 1881: Huile sur toile, 107 x 67,5 cmInv. 1950-0042Legs Louise Gaud, 1950© MAH, photo : F. Bevilacqua

À partir du XIXe siècle, l’art et la littérature commencent à s’intéresser à l’enfant comme sujet à part entière : les artistes se penchent sur cette figure dans tous ses contours, allant de ses aspirations, ses besoins, ses goûts, jusqu’aux aspects les plus intimes de sa psychologie.

En quatre sections – la maternité ; l’enfant en famille ; l’enfant en société ; la souffrance de l’enfant – l’accrochage esquisse l’image de l’enfant avec des tableaux et des sculptures provenant des collections du MAH et rarement, voire jamais montrées, des chefs-d’œuvre d’Agasse à Hodler.

Du 9 juin au 31 décembre 2020

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Lens : « Soleils noirs »


Edouard Manet, « Portrait de Berthe Morisot à l’éventail (détail) », 1874: RMN-Grand Palais, musée d’Orsay © Hervé Lewandowski

Couleur du paradoxe, le noir est-il une absence de lumière, un vide, une somme réjouissante de toutes les couleurs, un éblouissement ? D’emblée, l’exposition immerge le visiteur dans une expérience du noir familière grâce à une salle consacrée à l’un des phénomènes naturels du noir ayant le plus largement retenu l’attention des artistes : la nuit. Quand la nuit tombe, sublime, se lève une terrible beauté (Vernet, Deperthes), un monde sans limite paraît (Fontana).

Archétypal et physiologique, le noir forme un élément structurant mais ambigu de la représentation du sacré, à la fois couleur de tous les commencements, de l’infini, de l’intemporel mais aussi celle de la mort et de l’ignorance. L’exposition explore ainsi l’importance ou l’influence, du noir au cours des siècles.

Ce sujet universel permet de rendre palpable l’histoire des idées, des sciences, comme celle des formes au sein d’une exposition expérientielle et pédagogique. Inspirée du terril plat sur lequel repose le Louvre-Lens, l’exposition rend aussi hommage au passé minier dont les images sont dominées par le charbon et ses traces aux infinies nuances.

Jusqu’au 25 janvier 2021

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