1/10

Aix : « Trésors de Venise »


Giovanni Francesco Barbieri, dit le Guerchin (Cento, 1591 – Bologne, 1666), « Vénus et Amour endormi », deuxième décennie du XVIIe siècle: crayon rouge sur papier blanc, 20,6 × 27 cm, Fondazione Giorgio Cini, Cabinet des dessins et des gravures, inv. 36122, photo : Venezia, © Fondazione Giorgio Cini

Présentée pour la première fois à l’étranger, une sélection de 70 œuvres qui documentent les noyaux les plus importants de la collection, sur le plan esthétique et culturel, traversera la période du XIVe au XVIIIe siècle.

Les peintures, sculptures, dessins et objets précieux présentés à l’Hôtel de Caumont font partie de l’un des plus prestigieux ensembles d’art italien, du XIVe au XVIIIe siècle, réuni par l’entrepreneur et philanthrope Vittorio Cini (Ferrare 1885 – Venise 1977). Sa curiosité insatiable et les conseils précieux d’historiens de l’art prestigieux lui ont permis, en l’espace de cinquante ans environ, de former une collection exceptionnelle par sa qualité et par la variété de techniques et de typologies d’objets. On y trouve des porcelaines vénitiennes et des ivoires français, des miniatures, des volumes finement décorés, des sculptures, des gravures, des dessins, des objets de mobilier et des peintures sur bois.


Giandomenico Tiepolo (Venise, 1727 – 1804) « Tête d’Oriental » , 1753-1755: huile sur toile, 61 × 51 cm, Fondazione Giorgio Cini, Galleria di Palazzo Cini (dépôt des héritiers Guglielmi di Vulci), inv. VC 6318, photo : Venezia, © Fondazione Giorgio Cini

À côté des grands noms de la peinture toscane - comme Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo - et vénitienne, comme Lorenzo et Giandomenico Tiepolo, l’exposition présente des pièces maîtresses de la Renaissance ferraraise. Complétée par une sélection de sculptures, émaux et ivoires, ainsi que par un choix de dessins et enluminures, l’exposition rend compte de toute la variété stylistique d’une époque florissante de l’art italien, ainsi que du goût raffiné de l’un des plus importants collectionneurs italiens du XXe siècle.

Jusqu’au 27 mars 2022

2/10

Strasbourg : Jean-Jacques Henner (1829-1905), dessinateur


Jean-Jacques Henner, « La Liseuse ou La Femme qui lit » 1883: huile sur toile, 94,2 x 123 cm. Paris, musée national Jean-Jacques Henner (dépôt du musée d’Orsay) © RMN-GP (musée d’Orsay) Hervé Lewandowski

Grâce à un parcours chronologique, cette rétrospective permet d’appréhender les périodes charnières de l’œuvre de Jean-Jacques Henner et ses thèmes de prédilections : les peintures religieuses, les paysages et nus idylliques, les portraits et têtes de fantaisies.

Cette exposition offre une confrontation inédite entre les oeuvres majeures de cet artiste, réunies pour l’occasion et provenant de musées et collections privées, tant français qu’étrangers.

En opposition formelle avec la technique des impressionnistes, Henner s’intéressa aux innovations de son temps mais au risque de passer pour un classique ou un « académique » il garda toujours sa propre voie. Henner ne fut ni un romantique, ni un impressionniste, ni au sens strict un réaliste, ni un symboliste, peut-être un idéaliste… unique en son temps, simplement un passionné, un poète.

jusqu’au 24 janvier 2022

3/10

Berne & Soleure : Meret Oppenheim


Meret Oppenheim « Husch-husch, la plus belle voyelle se vide », M.E. par M.O., 1934: Huile sur toile, 45,5 x 65 cm. Bürgi Collection, Berne Photo : Roland Aellig, Berne © 2021, ProLitteris, Zurich

Cette exposition prouvera s’il est besoin que sa créativité ne s’est pas tarie après l’iconique Déjeuner en fourrure de ses années surréalistes.
Faisant de Berne sa patrie d’adoption dès 1949, lorsqu’elle s’installe dans la capitale avec son mari Wolfgang La Roche, Oppenheim retrouve un environnement propice à la création grâce au dynamisme des directeurs successifs de la Kunsthalle : Arnold Rüdlinger, Franz Meyer et Harald Szeemann présentent au cœur de la Suisse les derniers mouvements d’avant-garde, de l’expressionisme abstrait à l’art conceptuel et cinétique, et font de la capitale un lieu reconnu de la scène contemporaine internationale. L’effervescence artistique dans laquelle Oppenheim s’intègre à Berne lui permet de surmonter un blocage créatif de plusieurs années – elle offrira au KMB en guise de remerciement le tiers de son œuvre à la fin de sa vie. Aujourd’hui dépositaire de la plus grande collection des œuvres de l’artiste, le KMB organise la première grande rétrospective depuis sa disparition en 1985 en collaboration avec la Menil Collection de Houston et le Museum of Modern Art de New York.

Inspiration
« Mon exposition » s’inspire de la proposition élaborée par Meret Oppenheim sur douze grandes feuilles à l’occasion de sa dernière exposition personnelle à Berne en 1984, un an avant sa mort – l’artiste insistait cependant : « c’est une possibilité parmi d’autres ». Consciente du poids de l’objet-culte Déjeuner en fourrure et de ses liens avec les surréalistes dans la réception de son œuvre, Meret Oppenheim a travaillé assidûment dans ses dernières années à documenter et contextualiser sa production afin de jouer un rôle actif dans la réception de son œuvre. C’est également ce travail que reprennent les curatrices de l’exposition : si le nom de Oppenheim reste étroitement lié à l’icône du surréalisme des années 1930, la carrière de l’artiste s’étend jusqu’au milieu des années 1980, et son travail d’après-guerre, une fois la crise surmontée, ne peut être qualifié de surréaliste que par une paresse de la pensée.


Margrit Baumann « Meret Oppenheim dans son Atelier », 1982: Photographie, impression barytine, sélénium, 18,4 x 27,7 cm. Kunstmuseum Bern, Bernische Stiftung für Foto, Film und Video © Margrit Baumann

Le surréalisme n’est pas un style, d’ailleurs, disait Breton, c’est un état d’esprit. Et Meret a dansé toute sa vie avec ce terme : elle refusera souvent l’étiquette, qu’elle considère trop étroite, mais elle reconnaîtra aussi dans les mouvements contemporains comme le Pop Art un héritage surréaliste. S’il y a un fond surréaliste qui court dans son œuvre, ce n’est pourtant pas suffisant de conclure là-dessus : en y regardant de plus près, le visiteur curieux pourra distinguer d’autres sources d’inspiration, un dialogue fécond avec les idées du Pop Art, du Nouveau Réalisme ou de l’Arte Povera. C’est bien cette liberté créative, cette diversité des propositions, cette production continue et toujours inédite après l’épisode du Surréalisme « clos » par l’histoire de l’art dans la période d’après-guerre qui déstabilise les critiques contemporains : dans quelle catégorie doit-on ranger Meret Oppenheim ?
Son œuvre met à mal les tentatives de classification, et c’est tant mieux : les curatrices sont d’avis qu’il serait temps, en ce début de 21ème siècle, de plonger dans le labyrinthe des carrières artistiques comme celle de Oppenheim sans cogner les murs à cause de pince-nez théoriques. Suivre les inspirations, d’une œuvre à l’autre, les motifs, les questionnements, le jeu avec les matériaux – suivre l’air du temps, aussi, et les prises de position comme la Vénus primordiale de 1962 : image de la femme sans tête, une poignée de foin sur les épaules, cela correspond bien à la représentation que Meret Oppenheim rencontra et combattit tout au long de sa carrière, prenant en charge aussi bien son image que la réception de son œuvre.
Esprit libre, Oppenheim promouvait le modèle jungien de l’androgynie spirituelle – reconnaître le principe féminin dans l’homme, le principe masculin dans la femme – et ne se satisfaisait pas d’une histoire genrée de l’art : ni homme ni femme, ou homme et femme à la fois, l’artiste et l’art se situaient à un autre niveau.Il importait toutefois de faire entrer les femmes dans les collections, et c’est à l’occasion de la première grande rétrospective de son travail organisé par le directeur du Musée d’art de Soleure, en 1974, que Meret Oppenheim offrit à l’institution, comme remerciement pour les ventes générées par l’exposition, sa Vénus primordiale et la sculpture Honoré d’Eva Aeppli.

Soleure : « Travaux sur papier » de Meret Oppenheim
Tandis que le Kunstmuseum de Berne nous propose une grande rétrospective sur les cinquante années de carrière de Meret Oppenheim, nous invitant à découvrir et redécouvrir les richesses et les facettes moins connues de la production de l’artiste, celui de Soleure nous offre une plongée intimiste dans ses travaux sur papier. L’exposition regroupe une centaine d’œuvres couvrant elle aussi toutes les périodes d’activité de Oppenheim, l’occasion rêvée de saisir la pluralité des styles qu’elle a explorée autant que la prégnance de certains motifs récurrents tout au long de sa vie. Aux côtés des œuvres acquises par le cabinet graphique du musée sont également exposées des œuvres prêtées par la famille de l’artiste, le tout rassemblé dans un très beau catalogue qui pourra servir de référence à toute personne intéressée par l’œuvre graphique de Meret Oppenheim.


Meret Oppenheim (1913-1985) « Déesse » 1939: Carbone sur papier, sur carton, 48 x 34,5 cm, Kunstmuseum Solothurn, Don de Christoph Aeppli, Bâle, 2001. Crédits photo : Kunstmuseum Solothurn © 2021 Pro Litteris, Zürich

Si certains artistes développent leur œuvre en approfondissant un style ou une thématique, il en est d’autres, comme Oppenheim, qui font de leur pratique créative le lieu d’un renouvellement, d’une transformation perpétuelle : varier les médiums, les techniques, le tempo même de la réalisation – sur une feuille tracer rapidement, d’un geste vif, et sur l’autre hachurer délicatement, geste lent d’une répétition contrôlée. C’est une quête des possibilités expressives de chaque manière d’aborder la création d’une image : parmi les plus belles feuilles exposées, il faudrait citer le diptyque que créent Soleil et Lune décroissante, deux dessins datant de 1983 où la délicatesse du trait et l’économie des hachures font trembler le sujet à la lisière de la représentation. On retrouve d’ailleurs cette saveur très particulière dans les tableaux monochromes – ou presque – exposés à Berne, où les touches arachnéennes en camaïeu de blancs révèlent au regardeur patient les richesses incroyables que peuvent contenir les figurations du presque rien.

Quant à la récurrence des motifs, le papillon revient régulièrement dans l’œuvre de l’artiste : symbole de la métamorphose qui transforme le même en autre, il se trouve au cœur d’un réseau de réflexions sur l’identité, ses frontières et ses dépassements. Qu’il s’agisse des explorations stylistiques qui jalonnent une carrière sous le signe de la variété et mettent à mal les tentatives de ranger Oppenheim dans des cases bien délimitées, ou qu’il s’agisse des méditations jungiennes sur l’androgynie psychique, sur les principes mâle et femelle qui jouent dans la constitution de l’identité de chaque être humain, Meret Oppenheim trouve ainsi dans la symbolique du papillon l’image de ces transformations perpétuelles du même en autre – modèle bien plus fidèle à la réalité de l’expérience vécue que son antagoniste, qui verrait dans l’identité le maintien obstiné du même.


Meret Oppenheim « Fruit exotique », 1983: craie à l’huile sur papier, 32 x 48,5 cm, Courtesy of the estate and Karma International, Zurich . Crédit photo : Flavio Karrer  © 2021 Pro Litteris, Zürich

Les œuvres de l’artiste rendent ainsi hommage à la fluidité de l’expérience vécue et à l’exigence intime de se libérer des carcans trop étroits – qu’ils soient imposés de l’extérieur ou assimilés par la force des habitudes. Dans cet horizon des frontières poreuses, le rêve joue un rôle primordial : si certains de ces dessins portent la mention « d’après un rêve », il en est d’autres où le doute planera toujours. Capturant sur papier les figures changeantes de ses rêves dès son adolescence, Oppenheim a trouvé à Paris un terrain fertile pour approfondir et valoriser ce besoin de traduire matériellement les figures oniriques de ses nuits : les surréalistes ont en effet été des acteurs importants dans la reconnaissance du rêve comme phénomène essentiel de l’expérience humaine, et dans la promotion d’une réalité plus ample, d’une surréalité où les expériences intimes et subjectives auraient partie prenante. Meret Oppenheim affirmait qu’il incombait aux artistes de rêver pour la société, d’ouvrir la réalité à d’autres horizons – si le rêve prend sa place dans la réalité en lui offrant sa respiration, il prend également place dans la biographie de chaque individu aux côtés des événements extérieurs, participant activement à la constitution d’une individualité propre.

Vinciane Vuilleumier

Kunstmuseum de Berne, Meret Oppenheim - Mon exposition jusqu’au 13 février
Kunstmuseum de Soleure, Meret Oppenheim, Travaux sur papier, jusqu’au 27 février

4/10

Vevey : « XXL - le dessin en grand »


Emmanuel Wüthrich (*1969), « Vague (I), », 2018: Lavis d’encre de Chine sur papier. 2400 x 3360 mm, 128 feuilles de format 297 x 210 mm. Collection de l’artiste © Emmanuel Wüthrich. Photographie : Emmanuel Wüthrich

Flirtant avec la sculpture, la peinture, la photographie, le dessin réinvente les codes qui le définissent, se fait monumental et vient même embarrasser l’architecture. On se représente d’habitude ces feuillets aux dimensions modestes, de ceux qu’une vitrine peut contenir, mais les œuvres XXL des trente-deux artistes contemporains que présente le musée viendront bouleverser les idées reçues : ici, les formats monumentaux défient l’architecture même, dévoilent ses limites et ses insuffisances.

Le dessin dans tous ses états
Le dessin se fait peinture murale, sol en PVC, sculpture… Les propositions de chaque artiste constituent l’emblème d’une question fondamentale et personnelle : jusqu’où peut-on pousser le dessin ? D’esquisse, de feuillet, de surface plane, il se fait vague, environnement, il devient monde où le regard papillonnant du spectateur ne peut que saisir une bribe à la fois, à droite, à gauche, le va-et-vient est inévitable – c’est la distance à l’œuvre, la chorégraphie pro-pre que chacune appelle chez le spectateur, les jeux qu’elles mènent avec l’espace et le temps que ces propositions mettent en scène.


Ariane Monod (*1975) « Vertigo », 2021: Dessin mural in situ au fusain, eau et gomme arabique. Environ 4580 x 4700 mm © Ariane Monod, Musée Jenisch Vevey. Photographie : Julien Gremaud

L’espace où se déploie Vertigo d’Ariane Monot, c’est l’angle de la première salle. Œuvre in situ, œuvre éphémère par excellence, elle grimpe à l’assaut des murs, vient flirter à la lisière du plafond : quatre mètres de hauteur où les mouvements organiques et délicats du fusain chargé de gomme arabique capturent cette tension magnifique entre la figuration et l’abstraction. Paysage, oui, peut-être, mais expression poétique avant tout. Ariane rencontre le lieu, fait émerger sur un petit format l’idée de l’image, et devant le mur blanc qu’elle questionne inlassablement – mur blanc qui lui résiste d’abord, mais qui contient toujours en puissance la vision à venir – elle attaque aux pinceaux la trame fondamentale, cette ligne serpentine qui part des ténèbres et va s’échouer dans les clartés des hauteurs dans le halo des lampes.
Elle ajoute la chair noire au pinceau, peu à peu, en retire l’excédent au chiffon, elle travaille une semaine durant, pendant les heures d’ouverture du musée – et c’est par respect pour l’espace autant que pour les œuvres de ses compères artistes, accrochées par l’équipe qui s’affaire autour d’elle, qu’elle emprisonne la poudre de fusain dans la gomme arabique, qu’elle en fait une pâte qu’elle travaille presque comme une aquarelle pour réduire autant que possible la poussière noire qui fait l’identité du médium. Elle prend le mur comme il est : aucune préparation de sa part, elle s’accommode du crépi, des accidents de la matière, elle me raconte même le mur qu’elle a peint une fois, un véritable palimpseste des œuvres in situ successives, et la différence des textures qui venaient faire chanter différemment son fusain.

À quelle hauteur commence l’espace ? d’Isabelle Schiper est une manière toute autre de questionner l’espace par le dessin. Ici, la surface plane dialogue avec le volume, quand le papier XXL est roulé en cylindre et lesté. Et le volume délicat des feuillets d’Emmanuel Wüthrich, le volume presque plan, dira-t-on, de ces feuilles pliées en bateau, baignées dans l’encre, dépliées, arrangées selon le hasard des lavis pour former cette vague, hommage à Courbet, hommage à ceux dont la Méditerranée a avalé le radeau… L’œuvre fait trois mètres sur deux, elle frappe par le velouté de l’encre, la trace du pliage qui rappelle la technique de la mise au carré, technique indispensable au report d’une œuvre d’un format à l’autre, mais surtout par cet accrochage si particulier – chaque feuillet tient par une petite pince, feuillet flottant et délicat qui marque par l’ombre ténue qu’il projette sur le mur, par le moindre mouvement d’air qui l’agite, qu’il prend à la surface de la paroi plus de liberté qu’un papier marouflé, qu’un papier encadré, qu’un papier plan.


Claude Cortinovis (*1967) « SHE (#22) », 2010: Encre à tampon noire sur papier Normaset puro quadrillé à la main au crayon bleu, 2000 x 2000 mm. Courtesy Galerie Gowen Contemporary, Genève © Claude Cortinovis, Galerie Gowen Contemporary, Genève . Photographie : Claude Cortinovis

Le sol du rez-de-chaussée prend un nouveau visage avec l’œuvre surprenante d’Anaïs Lelièvre. Stratum 10 est une intervention in situ qui déploie le dessin à l’horizontal. L’artiste veut le dessin invasif, le dessin immersif, et c’est à l’aide des outils numériques actuels qu’elle réalise sa vision : d’un dessin source qu’elle manipule, elle crée des supports qui soutiennent l’interaction avec le corps des visiteurs. Dépassant la fragilité du papier, elle reporte ses dessins sur du PVC dont elle habille les sols, afin d’offrir au spectateur l’occasion unique de déambuler à l’horizontale dans l’œuvre graphique. Traduction, trahison ? La migration de l’œuvre-source et la réflexion sur l’intermédialité ouvrent en tout cas de nouveaux horizons dans lesquels penser le dessin et son rapport à l’espace d’exposition.
Les pieds sur l’art, les pieds dans l’art ? les visiteurs découvriront en levant les yeux l’œuvre de Claude Cortinovis, SHE (#22), située idéalement à l’entre-sol, dans la distance ménagée par la première volée d’escaliers. Œuvre du travail méticuleux, rigoureux, presque mécanique, œuvre de la répétition inlassable, SHE est un portrait réalisé sur un format carré de deux mètres sur deux à l’aide d’un tampon encreur. Le quadrillage est réalisé à la main, chaque carré d’un demi-centimètre, comme il est d’usage dans la papeterie : « je fais lentement et maladroitement ce qu’une machine fait », s’amuse l’artiste. Il est vif, l’esprit en arborescence, les phrases se bousculent à ses lèvres, il s’en excuse en souriant. « Ma première œuvre, c’était un livre d’artiste, je finissais l’école, j’avais besoin de me cadrer, alors j’ai réalisé des séries de petits bonshommes ». Répétitions inlassables, ce sera d’abord les figures en bâton, puis les titres dont il recouvrira ses photographies, et pour sa série SHE, c’est le tampon encreur minuscule, le pixel noir d’encre, qu’il appliquera, patiemment, case après case.

Nouvelles frontières
Sensualité du geste au fusain qui ne prévoit rien mais ressent l’harmonie ineffable, jeux de hasard dans les bains d’encre de Chine, mise en volume de la surface plane, planification méticuleuse et réalisation quasi mécanique… L’exposition du Musée Jenisch nous fait autant découvrir les nouvelles frontières du médium graphique que les artistes contemporains explorent sans relâche, que la gamme incroyablement riche des processus créatifs et des procédés techniques – un face à face riche pour tout amateur de papiers et de pigments.

Vinciane Vuilleumier

Jusqu’au 27 février 2022

Visite guidée de l’exposition XXL - Le dessin en grand, animée par Nathalie Chaix et Pamella Guerdat, commissaires de cette nouvelle exposition : Jeudi 4 novembre à 18h30

5/10

Bruxelles : David Hockney


David Hockney « My Parents » 1977: Huile sur toile, 72 x 72" © David Hockney Collection Tate, U.K.

Le premier volet, Œuvres de la collection de la Tate, 1954-2017 , réunit une imposante série de plus de 80 peintures, tableaux et gravures de la Tate Collection, ce qui représente une rétrospective de l’ensemble de sa carrière, au fil de ses représentations iconiques du Swinging London des années 1960 et de la Californie du Sud, de ses célèbres doubles portraits et de ses paysages monumentaux.
Cette sélection montre une série d’œuvres emblématiques du siècle dernier, comme les doubles portraits monumentaux My Parents et Mr and Mrs Clark and Percy. L’impressionnant Bigger Trees Near Warter (2007) est son œuvre la plus gigantesque (plus de 12 mètres de long). Elle plonge le visiteur dans une journée morose du Yorkshire, région d’où l’artiste est originaire.


David Hockney , « L’arrivée du printemps, Normandie, 2020 » "n° 125", 19 mars 2020: Tableau sur iPad © David Hockney

Le second volet de l’exposition témoigne de la soif d’expérimentation d’Hockney. L’arrivée du printemps, Normandie, 2020 , présenté en partenariat avec la Royal Academy of Arts, est dédiée au travail récent de l’artiste, aujourd’hui âgé de 83 ans. Cela permet de faire découvrir au visiteur les tableaux extrêmement colorés réalisés par l’artiste sur son iPad lors du premier confinement. Les œuvres de l’artiste continuent à parler aux jeunes et aux moins jeunes, tant elles sont intemporelles. Ses dernières créations montrent à quel point l’artiste parvient une nouvelle fois à se réinventer.
Les tableaux très colorés autour du thème du renouveau de la nature nous rappellent que nous devons continuer à ‘aimer la vie’ malgré ces temps troublés : « Do remember they can’t cancel the spring ». Les 116 « tableaux » de cette série ont été imprimés sur du papier de qualité et sont exposés dans leur intégralité au Palais des Beaux-Arts.

Du 8 octobre 2021 au 23 janvier 2022

A noter que David Hockney fait également l’objet d’une exposition intitulée Une année en Normandie au Musée de l’Orangerie de Paris, du 13 octobre 2021 au 14 février 2022

6/10

Carouge : Albertine


« Apparition »: © Albertine

S’emparant de l’ensemble des espaces, l’artiste présente “Apparition“ et invite à la contemplation, au travers de gouaches, des personnages et des objets.

La dessinatrice genevoise est connue à la fois pour ses nombreux livres parus aux Editions de La Joie de Lire, ses créations artistiques, mais aussi des films d’animation dont “La femme canon“, en 2017 (coréalisé avec David Toutevoix).

Pour cette nouvelle incursion carougeoise - l’artiste expose régulièrement dans les Galeries Maya Guidi, Ligne Treize, Sé́ries Rares et Tiramisù - Albertine convie le public à plonger dans ses pensées et ses réflexions. Sous le titre “Apparition“, les œuvres présentées interrogent la conscience. Il y est question de solitude, de contemplation, de mystique et de métaphysique.

jusqu’au 19 décembre 2021

Visites commentées de l’exposition par Albertine :
Mercredis 6 octobre et 24 novembre à 18h, samedi 6 novembre à 16h
Réservation obligatoire au 022 307 93 80

Atelier petit théâtre de papier
“Construis ton théâtre de papier“ ; atelier imaginé par Albertine et animé par Myriam Abourousse
Mercredis 20 octobre et 1er décembre de 14h à 15h30, samedi 6 et dimanche 7 novembre de 11h à 12h30 et samedi 27 novembre, de 14h à 15h30
Enfants de 4 à 12 ans, non accompagnés. Réservation obligatoire au 022 307 93 8

7/10

Paris : La Collection Morozov


Vincent van Gogh, « La Mer aux Saintes-Maries », 1888: Huile sur toile. 44,5 × 54,5 cm. Musée des Beaux Arts Pouchkine, Moscou

Présentée pour la première fois hors de Russie, La Collection Morozov rassemble des œuvres majeures de Cézanne, Gauguin, Van Gogh, Renoir, Monet, Bonnard, Denis, Matisse, Derain et Picasso aux côtés d’artistes emblématiques de l’avant-garde russe tels que Vroubel, Chagall, Malevitch, Repine, Larionov, Serov.

Les Frères Morozov
Philanthropes des arts, les frères Morozov ont dominé la vie culturel moscovite à l’aube du 20e siècle, au même titre que les Trétiakov, Mamontov, Rriabouchinski et Chtchoukine. Ils se distinguent particulièrement par leur soutien inconditionnel à l’art contemporain européen et russe qui contribuera largement à la reconnaissance internationale des peintres modernes français.

Du 12 mai au 10 octobre 2021

8/10

Paris : Botticelli, artiste et designer


Alessandro Filipepi, communément appelé Botticelli (vers 1445-1510), « Vierge à l’enfant avec l’enfant saint Jean », vers 1505: Tempera et huile sur toile, 134 x 92 cm, Galleria degli Uffizi, Florence (Palazzo Pitti, Galleria Palatina), Photo : Cabinet photographique de la Galerie des Offices

La carrière de Botticelli, devenu l’un des plus grands artistes de Florence, témoigne du rayonnement et des changements profonds qui transforment la cité sous les Médicis.

Botticelli est sans doute l’un des peintres les plus connus de la Renaissance italienne malgré la part de mystère qui entoure toujours sa vie et l’activité de son atelier. Sans relâche, il a alterné création unique et production en série achevée par ses nombreux assistants.

L’exposition montrera l’importance de cette pratique d’atelier, laboratoire foisonnant d’idées et de formation, typique de la Renaissance italienne. Elle présentera Botticelli dans son rôle de créateur, mais également d’entrepreneur et de formateur.

Première exposition en France depuis celle de 2003 au Musée du Luxembourg, « Botticelli, artiste et designer », selon un parcours chronologique et thématique, illustrera le développement stylistique personnel de Botticelli, les liens entre son œuvre et la culture de son temps, ainsi que l’influence qu’il a lui-même exercée sur les artistes florentins du Quattrocento.

du 10 septembre 2021 au 24 janvier 2022

9/10

Paris : Damien Hirst

Sur la toile, Damien Hirst mêle touches épaisses et projections de peinture faisant référence tant à l’impressionnisme et au pointillisme qu’à l’action painting. Les toiles monumentales, entièrement recouvertes par les couleurs vives et saturées, enveloppent le spectateur dans un vaste paysage végétal oscillant entre figuration et abstraction.

Les Cerisiers en fleurs sont à la fois un détournement et un hommage aux grands mouvements artistiques de la fin du XIXème et du XXème siècle. Ils s’inscrivent dans les réflexions picturales que Damien Hirst mène depuis toujours.

L’exposition présente 30 toiles vibrantes qui, envahissant l’espace de Jean Nouvel, immergent le spectateur dans la peinture : Une célébration de la couleur au milieu du chaos....

jusqu’au 2 janvier 2022

10/10

Évian : Alain Le Foll, maître de l’imaginaire


Alain Le Foll. Dessin pour « C’est le bouquet ! », de Claude Roy, 1964.: Encre. 27,4 x 46,5 cm (Collection particulière)

Alain Le Foll est né en 1934 et décédé en 1981, à l’âge de 46 ans. Malgré la brièveté de sa carrière, il est considéré comme l’un des plus grands dessinateurs français des années 1960-1970. Ses dessins destinés à la publicité et à l’illustration, ont contribué à façonner l’univers visuel de cette période. Parallèlement à ces travaux de commande, Alain Le Foll a développé un œuvre personnel, privilégiant le dessin et la lithographie.

Malgré son importance dans le domaine du graphisme, l’œuvre d’Alain Le Foll n’a pas encore fait l’objet d’une rétrospective d’envergure. Le domaine de l’illustration est en effet souvent négligé en France, malgré les efforts menés ces dernières années par des institutions comme la bibliothèque publique d’information à Paris ou le Musée Tomi Ungerer à Strasbourg.


Alain Le Foll. « Drill », 1963: Lithographie sur papier ocre, 94,3 x 44,8 cm (Collection particulière)

Si, dès 1958, Alain Le Foll s’orienta vers une carrière de graphiste, participant à plusieurs campagnes publicitaires - on se souvient de celle pour l’eau d’Évian, “l’Eau vraie“ qui a donné lieu à un film d’animation d’Alexandre Alexeieff - il se consacra parallèlement à l’illustration et collabora avec de nombreux magazines en France et à l’étranger, dont Elle : il illustra aussi bien les rubriques habituelles de la revue que des feuilletons hebdomadaires. Il travailla aussi pour l’édition : en 1964, il signa les dessins de “C’est le bouquet !“, un album édité par Robert Delpire qui a marqué l’histoire de l’édition enfantine. Il dessina aussi des motifs de tissus, des céramiques, des pochettes de disques, des papiers peints.

A côté de ces travaux de commande, Alain Le Foll développa un œuvre personnel : il dessinait au crayon de couleurs, au pastel, à l’encre de Chine et à la gouache, donnant la prééminence au trait. Il créa des lithographies à l’atelier Wolfensberger, en Suisse.

Du 26 juin 2021 au 2 janvier 2022

Les derniers articles
Plan du site