1/10

Bâle : « The Incredible World of Photography »


Portraits de peintres et sculpteurs : Pierre Petit, Charles Reutlinger, Pierre Etienne Carjat, Legé & Bergeron, et al., 1860-1875: Albuminabzüge, 33.5 x 43 cm (Seite) © as a collection by Jacques Herzog und Pierre de Meuron Kabinett, Basel. All rights reserved.

Une trouvaille sur un marché aux puces dans les années 1970 a mené à la naissance d’une collection unique au monde qui réunit désormais 500.000 photographies. Aujourd’hui, Ruth et Peter Herzog comptent parmi les grands collectionneurs de photographies à l’échelle internationale. Les fonds de leur collection datent des débuts de la technique photographique en 1839 jusqu’aux années 1970. Ils couvrent ainsi entièrement l’histoire de la photographie argentique, de ses développements et de ses matériaux – plaques, émulsions, produits chimiques, papiers et appareils. Pour le XIXe siècle en particulier, le couple de collectionneurs a fait d’importantes découvertes qui ont permis d’affiner la compréhension de l’histoire mouvementée de la photographie.

La photographie est le médium visuel le plus adapté pour raconter la petite et la grande histoire. Les myriades de chef-d’œuvres anonymes de la collection photographique mettent en lumière une pluralité presque insaisissable de motifs et de thèmes aux quatre coins du monde. Ainsi, aux côtés des illustres pionniers de ce médium – Adolphe Disdéri, Gustav Le Gray, Eugène Atget, Fred Boissonnas, Charles Nègre, Felice Beato – et d’autres éminents photographes – Paul Martial, Hans Hinz – figurent pour l’essentiel des photographes amateurs jusqu’ici inconnus. Ruth et Peter Herzog ont, ni plus ni moins, constitué une encyclopédie photographique de la vie à l’ère industrielle.c

Jusqu’au 4 octobre 2020

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Amsterdam : Le Caravage - Le Bernin


Michelangelo Merisi da Caravaggio, dit Le Caravage, « Garçon mordu par un lézard » (détail) vers 1597/98: Florence, Fondazione di Studi di Storia dell’Arte Roberto Longhi

Cette joyeuse contrepartie italienne à la culture protestante néerlandaise réservée et austère du 17e a été négligée aux Pays-Bas. Ailleurs, cependant, ce courant artistique a déclenché une révolution artistique, et son impact a été ressenti dans toute l’Europe catholique. Les phares du baroque à Rome étaient Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) et le sculpteur Gian Lorenzo Bernini (1598-1680), deux génies autour de qui beaucoup d’autres artistes talentueux affluaient.

Les arts de Rome étaient en plein essor dans les premières décennies du 17e siècle, et en l’espace de quelques années, la ville éternelle a été transformée en un autocuiseur international débordant de nouvelles idées artistiques et d’initiatives. Ce climat vibrant a constitué les conditions idéales pour la naissance d’un nouveau style, qui ne sera nommé « baroque » que beaucoup plus tard - à partir du barocco portugais, pour la forme irrégulière d’une perle naturelle. Plus que jamais, les peintres ont fait équipe avec des sculpteurs, et les figures centrales de cette exposition - Caravage, Bernin - incarnent ce fraternalisme artistique. Ensemble, leurs œuvres racontent une histoire d’immense vigueur artistique à Rome et de renouveau radical dans les arts dans la période approximative de 1600 à 1640. L’exposition sera guidée par des termes clés dans le voca-bulaire artistique de l’époque, tels que l’émerveillement (mera-viglia), la vivacité (vivezza), le mouvement (moto), la plaisanterie (scherzo) et l’horreur (terribilità).


Gian Lorenzo Bernini, dit Le Bernin « Thomas Becker » (détail) (1606/1657/58), Rome, 1637/38: Marbre de Carrare, hauteur 81.6 cm (incluant le piédestal). Londres, Victoria et Albert Museum.

Faits saillants
Les points forts de l’exposition sont le “Narcisse“ envoûtant du Caravage, son “Garçon mordu par un lézard“ et “Le Couronnement aux épines“, et des sculptures berninées telles que l’œuvre précoce rarement exposée “Bacchus“, son poignant “Saint-Sébastien“, le buste de “Méduse“, ainsi que des portraits en marbre saisissants de Thomas Baker et du cardinal Richelieu, et une peinture intitulée “Autoportrait“. D’autres peintures de l’exposition sont de Ludovico et Annibale Carraci, Guido Reni, Giovanni Baglione, les Gentilschis, Nicolas Poussin, Simon Vouet, et l’artiste excentrique Tanzio da Varallo.

D’autres sculptures incluent des œuvres d’Alessandro Algardi telles que son “Sommeil“ en marbre noir, le Fauve dansant Rondinini du sculpteur flamand-romain François du Quesnoy, et le cheval de bronze jamais vu de Francesco Mochi au trot complet.

Jusqu’au 13 septembre 2020

3/10

Paris : « Fuji, pays de neige »

Inspirant de nombreux artistes, le mont Fuji domine le paysage de l’archipel japonais. Cette figure suscite les premières transcriptions de variations atmosphériques par Hokusai, près d’un demi-siècle avant les effets de lumière de Monet et de Sisley.


KAWASE Hasui (1883-1957), « Neige sur le temple Zojoji »: Éditeur : WATANABE Shozaburo. Ère Showa, 1953. Estampe nishiki-e
MNAAG, achat 2015, MA12710 © RMN-Grand Palais (MNAAG, Paris) / Thierry Ollivier

Pur triangle, le Fuji est un élément fort de l’estampe japonaise puis de la jeune photographie. Éternelle sur ses pans, la neige met au défi les artistes d’user du papier laissé en réserve pour transcrire l’étouffement de la nature et de ses bruits, comme le feront aussi, des décennies plus tard, les impressionnistes inspirés par « le pays de neige ».

Les paysages de neige sont une thématique majeure de l’estampe de paysage, de l’ère d’Edo jusqu’aux estampes du shin-hanga.

L’exposition présente plus de 70 œuvres de la très riche collection du musée - dont un ensemble exceptionnel de plusieurs tirages du « Fuji rouge » et un « Fuji bleu » de Hokusai - croise les supports et fait également une part à la photographie.

Jusqu’au 12 octobre 2020

Réservation conseillée sur billetterie.guimet.fr (réservation obligatoire les samedis et dimanches à partir de 13h)

4/10

Crans-Montana/Lens : « Résonances »


Clifford Possum Tjapaltjarri (v.1932-2002, Australie) « Territoire autour du Mont Allan », 1997: Groupe linguistique : Anmatyerre. Acrylique sur toile de lin. Crédit photo © Vincent Girier-Dufournier. Crédit artiste © 2020, ProLitteris, Zurich

Aujourd’hui, les artistes aborigènes rencontreront leurs homologues de la scène internationale contemporaine. La Fondation fait dialoguer les collections des deux sœurs Bérengère et Garance Primat avec plus de 90 œuvres du monde entier.

Soulignant les liens intrinsèques et les thèmes universels portés par les artistes des antipodes, l’exposition propose un parcours en cinq chapitres, chacun exprimant un des principes fondamentaux de l’art aborigène en abordant un aspect du Rêve (« Dreaming »). A travers un dispositif scénographique léger, l’éclectisme des œuvres en termes de matières, de couleurs, de formats impose un environnement qui s’efface à leur profit. Les murs sont noirs, ocres et rouges : les tonalités du désert australien. Les premiers pas du visiteur le plongent dans la nuit, immémoriale, le temps où l’Être primordial est enfoui dans les profondeurs de la Terre. Il découvre les “Récits de terres et de ciels“, puis le “Pouvoir de métamorphose“. Se révèlent ensuite les “Secrets de la Terre Mère“, les “Origines“ et enfin éclate la lumière du jour avec l’apparition de l’ “Être premier“.

Du 14 juin 2020 au 4 avril 2021

5/10

Genève : « L’enfant dans l’art suisse »


Léon Gaud (1844 -1908) « La fille de l’artiste à l’âge de 8 ans », vers 1881: Huile sur toile, 107 x 67,5 cmInv. 1950-0042Legs Louise Gaud, 1950© MAH, photo : F. Bevilacqua

À partir du XIXe siècle, l’art et la littérature commencent à s’intéresser à l’enfant comme sujet à part entière : les artistes se penchent sur cette figure dans tous ses contours, allant de ses aspirations, ses besoins, ses goûts, jusqu’aux aspects les plus intimes de sa psychologie.

En quatre sections – la maternité ; l’enfant en famille ; l’enfant en société ; la souffrance de l’enfant – l’accrochage esquisse l’image de l’enfant avec des tableaux et des sculptures provenant des collections du MAH et rarement, voire jamais montrées, des chefs-d’œuvre d’Agasse à Hodler.

Du 9 juin au 31 décembre 2020

6/10

Moutier : Jean-René Moeschler


Jean-René Moeschler « Où sont les oiseaux ? », 2020: Huile sur toile de jute, 200 x 240cm

Cette exposition, couvrant plus de vingt ans de création, invite le regard à cheminer dans les labyrinthes picturaux de Jean-René Moeschler. Lors de différentes phases, l’artiste anime l’espace en jouant de contrastes entre volutes et pliage de la toile, entre architecture et végétal ou entre dessin et peinture. Dans une évocation libre de la nature, il fait notamment vibrer la ligne et le fond dans une relation inédite.

Prolongée jusqu’au 23 août 2020

L’exposition des œuvres sur papier de Jean-René Moeschler à la Galerie du Passage, Moutier, est prolongée jusqu’au 5 juillet.

7/10

Montricher : « À toute épreuve »


« À toute épreuve », Livre imprimé pages 6-7

« Paul Éluard, Gérald Cramer, Joan Miró - À toute épreuve »
Éluard en écrit les poèmes entre 1929 et 1930, au moment où Gala, qu’il a épousée en 1917, prend ses distances et entame une relation amoureuse avec Salvador Dalí. C’est l’heure aussi de la rencontre du poète avec Nusch. Les textes sont publiés aux Éditions surréalistes en 1930, mais ce n’est qu’en 1947, à l’issue d’une entrevue avec Gérald Cramer, que naît le projet d’en faire un livre d’artiste avec des illustrations de Joan Miró.

Séduit par la composition de l’édition de 1914 du poème de Stéphane Mallarmé, Un coup de dés jamais n’abolira le hasard, Éluard répartit ses vers sur les quelque quarante doubles pages d’une première maquette. Cramer, qui assure pas à pas la mise au point du livre, lui donne toute latitude pour fixer l’importance de la typographie et son emplacement.

À partir de leurs indications, Miró conçoit l’idée d’en faire une sculpture polychrome autant qu’un livre. Ayant découvert les xylographies de Paul Gauguin chez Gérald Cramer et trouvant de l’inspiration dans les estampes japonaises, il fait alors le choix de la gravure sur bois. Au total, ce sont 233 bois qui sont taillés, « sculptés », imprimés en couleur, et forment avec les poèmes autant de paysages de mots et d’images.

Prolongée jusqu’au 30 août 2020

8/10

Lens : « Soleils noirs »


Edouard Manet, « Portrait de Berthe Morisot à l’éventail (détail) », 1874: RMN-Grand Palais, musée d’Orsay © Hervé Lewandowski

Couleur du paradoxe, le noir est-il une absence de lumière, un vide, une somme réjouissante de toutes les couleurs, un éblouissement ? D’emblée, l’exposition immerge le visiteur dans une expérience du noir familière grâce à une salle consacrée à l’un des phénomènes naturels du noir ayant le plus largement retenu l’attention des artistes : la nuit. Quand la nuit tombe, sublime, se lève une terrible beauté (Vernet, Deperthes), un monde sans limite paraît (Fontana).

Archétypal et physiologique, le noir forme un élément structurant mais ambigu de la représentation du sacré, à la fois couleur de tous les commencements, de l’infini, de l’intemporel mais aussi celle de la mort et de l’ignorance. L’exposition explore ainsi l’importance ou l’influence, du noir au cours des siècles.

Ce sujet universel permet de rendre palpable l’histoire des idées, des sciences, comme celle des formes au sein d’une exposition expérientielle et pédagogique. Inspirée du terril plat sur lequel repose le Louvre-Lens, l’exposition rend aussi hommage au passé minier dont les images sont dominées par le charbon et ses traces aux infinies nuances.

Jusqu’au 25 janvier 2021

9/10

Riehen / Bâle : Edward Hopper


Edward Hopper, « Gas », 1940: Huile sur toile, 66.7 x 102.2 cm. The Museum of Modern Art, New York, Mrs. Simon Guggenheim Fund © Heirs of Josephine Hopper / 2019, ProLitteris, Zurich
© 2019 Digital image, The Museum of Modern Art, New York / Scala, Florence

Les peintures de Hopper sont l’expression du regard singulier que l’artiste porte sur la vie moderne. Il commença sa carrière comme illustrateur. Aujourd’hui, il est surtout connu pour ses peintures à l’huile, qui témoignent de son intérêt pour l’impact de la couleur et de sa virtuosité dans la représentation de l’ombre et de la lumière.

Les toiles de Hopper sont l’expression de son regard unique sur la vie moderne : stations-service, maisons, bars, phares et bateaux, mais aussi vues intérieures de logements, d’hôtels et de cinémas. Les rares figures humaines qui apparaissent dans ses œuvres semblent souvent porter leur regard au-delà de la surface de la toile, comme si ce qui se « passait » dans l’image n’était pas accessible au spectateur : des événements invisibles semblent se produire en dehors du tableau.


Edward Hopper, « Cape Ann Granite », 1950: Huile sur toile, 73.4 x 102.3 cm. Collection privée © Heirs of Josephine Hopper / 2019, ProLitteris, Zurich

L’exposition met l’accent sur les représentations iconiques de Hopper des étendues infinies des paysages naturels et urbains de l’Amérique. Il s’agit là d’un aspect rarement placé au centre des expositions consacrées à Edward Hopper, mais pourtant clé pour comprendre son œuvre et sa réception. Le langage formel de Hopper s’est développé indépendamment des tendances populaires de son temps. Son mode de représentation caractéristique, lui, a fortement influencé des peintres contemporains majeurs comme Peter Doig et a entretenu une relation quasi symbiotique avec le cinéma : les toiles de Hopper ont inspiré des films majeurs comme La Mort aux trousses d’Alfred Hitchcock (1959), Paris, Texas de Wim Wenders (1984) ou encore Danse avec les loups de Kevin Costner (1990).

Exposition prolongée jusqu’au 20 septembre 2020

10/10

Berne : « Par-delà les rires et les pleurs »


Jacques Ernst Sonderegger, « Fantômes » non daté: Plume et crayon sur papier, 11.9 x 18.6 cm. Collection privée. Dépôt au Centre Paul Klee, Berne

Au cours de leurs échanges se développe une même façon de voir l’humour comme une clé donnant accès à l’humain, de concevoir la satire comme un commentaire du comique et du tragique propres à l’existence humaine. Le point de départ de cette exposition, c’est l’amitié – beaucoup l’ignorent – que Paul Klee entretenait avec le caricaturiste suisse Jacques Ernst Sonderegger, dont le jeune Klee a beaucoup appris sur le plan artistique.

Klee et Sonderegger partageaient un même sens de l’humour : le genre alors florissant de la caricature représente de manière outrancière la vie sociale et politique et en propose un commentaire ironique. Pour Klee et Sonderegger, au contraire, la caricature offre la possibilité de poser les questions fondamentales de l’existence humaine.


Paul Klee, « Exubérance », 1939: 1251, Huile et couleur à la colle sur papier sur toile de jute, cadre original 101 x 130 cm. Zentrum Paul Klee, Bern

Qu’est-ce que l’homme attend de la vie ? Qu’est-ce qui est pour lui source d’espoir ou cause d’échec, et permet d’oublier la souffrance ? L’art offre-t-il des échappatoires aux défis du quotidien, aux irritations passagères, aux contraintes de l’idéologie et aux contradictions absurdes de la vie moderne ?

Les œuvres de l’exposition nous parlent, sur un mode ludique et parfois grotesque, de plaisir et de frustration, de sens et de non-sens ; elles évoquent le monde et le théâtre, l’amour et le monstrueux – mais aussi les défaillances de l’homme, sa violence et sa condition de mortel, ainsi que l’espoir de pouvoir les surmonter avec humour.

L’exposition débute et se termine par des scènes inoubliables extraites de films de Charlie Chaplin, qui entrent en dialogue de manière stupéfiante avec les œuvres de Paul Klee.

Prolongée jusqu’au 6 septembre 2020

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